“Umbral” es una propuesta expositiva en la que varias voces se cruzan y dialogan desde una posición inexacta. Se plantea como un recorrido por espacios intermedios, esos lugares donde nada está del todo fijado y todo puede transformarse. El título alude al instante del cruce, a esa zona en la que un estado se disuelve para dar paso a otro, donde se suspenden los límites y emerge la posibilidad de lo incierto. El umbral es un lugar desde el que se observa lo que ocurre en diferentes territorios, pero protegido por la ausencia de luz. Un espacio desde el cual se puede tomar partido o salir corriendo.

El sol, el mar y la playa se convierten aquí en vehículo imaginario para recorrer esta reflexión. Como escribió Italo Calvino, “el borde del mar es un lugar donde lo inmutable se encuentra con lo cambiante”, y en ese umbral entre tierra y agua se condensa la metáfora de lo fluido y lo inestable. También la ciudad que habitamos, que con el auge del verano se acelera, se desborda y se reinventa, ilustra cómo los ritmos colectivos se alteran y muestran su carácter mutable. Al mismo tiempo, los ciclos naturales de las estaciones introducen variaciones que afectan tanto a los paisajes como a las formas de habitarlos: el sol del verano concentra en sí mismo la fuerza transformadora de un tiempo que redefine vínculos entre naturaleza, territorio y experiencia cotidiana. Ese vaivén entre ocio y trabajo, entre lo urbano y lo litoral, dibuja un paisaje en permanente transformación.

Las obras reunidas en “Umbral” no buscan clasificar ni cerrar un sentido, sino abrir un espacio de resonancia donde lo líquido, lo vacacional, lo ficcional y lo efímero se entrelazan. Habitar este umbral es aceptar que los límites no son muros, sino superficies de encuentro y de posibilidad.

MawatreS Ordúñez / Comisario

IXONE SÁDABA

Ixone Sádaba (1977, Bilbao) vive y trabaja entre Bilbao y Londres.Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (2000), se formó después con un máster en Arte en la Universidad Antonio de Nebrija (Madrid, 2001) y un programa de postgrado en el International Center of Photography en Nueva York (2005).

Su práctica artística utiliza principalmente la fotografía, la instalación y la performance, investigando lo que ella llama “escenarios políticos”: explora los límites del individuo, la identidad, la violencia inherente al ser humanoy la representación visual como construcción formal y simbólica. Sus obras site-specific revisan narrativas oficiales y espacios públicos,  interrogando la mirada, los vestigios del conflicto, y las huellas privadas dentro de marcos sociales y políticos.

Sus obras se han exhibido en instituciones de renombre como el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao), el MUSAC (León), el MoCCA Museum (Toronto) y el Museum of Contemporary Art de Nueva Orleans. Asimismo, su obra forma parte de colecciones permanentes como las del Guggenheim Bilbao, el MNCARS, ARTIUM, MUSAC, Iberdrola, BBK y otras colecciones privadas.

DANIEL MUÑOZ

Daniel Muñoz (Moraleja, Cáceres, 1980) inicia su carrera artística a principios de los años noventa pintando murales en su localidad. En 2000 comienza sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, mientras continúa realizando murales y exposiciones en España y Europa, estableciendo el dibujo como base de su lenguaje.

Su obra se desarrolla en el espacio público y aborda problemáticas sobre la modificación del entorno por parte del  individuo, cuestionando la regularización del arte público, su relación con la arquitectura y las fricciones con el mercado privado y los discursos del arte contemporáneo. Integra códigos de turismo, historia, antropología, publicidad y cultura popular, confrontando lo cotidiano con la solemnidad del lenguaje artístico.

Ha intervenido en ciudades como Tokio, Los Ángeles, Río de Janeiro, Tánger o Roma, y participado en exposiciones internacionales, destacando la 59 Bienal de Venecia (2022) y proyectos en el Museo Nacional de Altamira, el BACC Museum de Bangkok, la Galería Nacional de Arte de Ammán, el MEIAC de Badajoz, el CEART de Fuenlabrada y galerías como Walter Otero (Puerto Rico) o Luis Adelantado (Valencia). Su obra ha sido difundida en numerosos libros y publicaciones.

J. DEMSKY

Demsky inició su trayectoria artística inmerso en el auge del graffiti a principios de los años 90. Desde entonces ha viajado y pintado en más de 50 países, explorando siempre nuevas formas para transformar la morfología de su nombre en composiciones poco convencionales.

Autodidacta, sus influencias combinan el graffiti, la era fluor y su nostalgia por finales de los 80 y principios de los 90, junto con una visión que mezcla creatividad radical y ciencias exactas. De niño jugaba a videojuegos arcade y veía películas japonesas de mecha y ciencia ficción en VHS. Actualmente, busca expandir su producción en el estudio, desarrollando proyectos conceptuales que exploran la relación entre espacio y tiempo, el “glitch” y la animación de composiciones estáticas.

Su obra refleja una mirada al futuro desde la nostalgia, entendiendo el arte como un vehículo para estimular los sentidos y conectar con la experiencia humana. Ha colaborado con galerías internacionales y proyectos culturales y comerciales,  dedica la mayor parte de su tiempo a experimentar en su laboratorio artístico, rompiendo la atmósfer convencional.

JORGE ISLA

Jorge Isla (Huesca, 1992) es graduado en Comunicación Audiovisual por la Universidad San Jorge, Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Proyectos Fotográficos de Autor por la Escuela Lens de Madrid, su trabajo se centra en explorar los límites de la imagen y su capacidad de construir relatos en torno a lo real y lo ficticio.

Ha expuesto de forma individual en instituciones y espacios como el Centro Párraga (Murcia, 2024), la Diputación Provincial de Huesca (2024), la Fundación Bilbaoarte (2024), el Da2 Artium (Salamanca, 2023), Las Cigarreras (Alicante, 2022), Arte Santander (2022), SC Gallery (Bilbao, 2022), la Galería Antonia Puyó (Zaragoza, 2021 y 2017), Rambleta (Valencia, 2020), Galería Presente (Porto, 2020), el Museo de Historia Natural de Valencia (2018), PhotoEspaña (2017), Kir Royal Gallery (2017), la XV Bienal de Fotografía de Córdoba (2017) y CentroCentro Cibeles (Lanzadera, comisariado por Iñaki Domingo, Madrid, 2016).

JONE ELORRIAGA SOTO 

Jone Elorriaga Soto (Durango, 1993) se graduada en Arte por la UPV/EHU Leioa en 2016. Sus últimas esculturas han sido expuestas en DPTO, en la Sala Rekalde dentro del proyecto Lanean/en Obra con DOBLE CHECK en 2025 y en la Galería La Taller con HINCHA2: rojo y rosa en 2023.

Ha investigado el site-specific como en las exposiciones de Okela y Soplo en la sala Barrainkua. Ha recibido la beca de artes plásticas del Gobierno Vasco en 2024-2025, la beca de creación Artística de la Diputación Foral de Vizcaya 2018-2019 y 2021-2022 y la beca de creación de Astarloa Kulturgintza de Durango entre 2017-2018, con exposición individual en el Museo de Arte e Historia de Durango. Ha sido seleccionada en Tras la tormenta Bilbaoarte 2020, en Getxoarte 2019, en la Muestra Itinerante Ertibil 2018 y 2020, también ha formado parte de XXIV.AMP de Okela 2020.

MAITE LEYÚN

Maite Leyún (Pamplona, 1986) es una artista multidisciplinar y docente especializada en cerámica contemporánea. Licenciada y doctora en BellasArtes por la Universidad del País Vasco, es profesora de Escultura en su Facultad de Bellas Artes. Su obra integra cerámica, escultura, instalación, diseño y performance, explorando los límites entre disciplinas.

Ha participado en exposiciones nacionales e internacionales, como la Bienal Internacional de Cerámica de Marratxí, el Concurso Internacional de Cerámica de L’Alcora y “Gureak Euskaditik Mexikora” en Ciudad de México. Entre sus reconocimientos destacan la Beca Fundación BilbaoArte (2013) y una residencia en el International Ceramic Studio deHungría (2012).

Una de sus exposiciones recientes es Sintaxis de forma / Formaren sintaxia (Museo de Navarra, 2025), donde explora la escultura como lenguaje visual.

CAO SHU

Cao Shu (n. 1987, Shandong) es un artista radicado en Hangzhou cuya práctica abarca animación 3D, instalacines de videojugos, proyecciones multicanal y escultura. Su obra explora la intersección entre memoria, sueños y tecnología, generando “sitios de excavación de la memoria” digitales que difuminan los límites entre lo real y lo virtual. Sus proyectos recientes se adentran en la ciencia ficción socialista, la encriptación y el subconsciente colectivo, reflexionando críticamente sobre el impacto de la tecnología en la psique humana.

Todas sus obras entrelazan códigos provenientes de diferentes campos como el turismo, la historia, la antropología, el lenguaje publicitario o la cultura popular. Sirviéndose de ciertas narrativas propias de la pintura clásica, plantea ideas en relación con el actual hiper-acceso a las imágenes confrontando asuntos aparentemente vulgares o mundanos con la supuesta solemnidad del lenguaje artístico. Durante los últimos años ha realizado numerosas intervenciones en espacios públicos de ciudades tan diversas como Tokio, Los Ángeles, Rio de Janeiro, Tánger o Roma.