TIEMPO PARA CELEBRAR

Las celebraciones que realizamos nos remiten a la construcción identitaria de las regiones, las tradiciones y los pueblos. Se materializan como parte de nuestra historia plural como proceso de socialización, y singular desde la experiencia intrínseca de cada individuo. Y es a través de la cultura, el territorio y lo que celebramos lo que nos sitúa en una suerte de alegría reflexiva, que nos ayuda en un proceso que responde a los constantes cambios sociales. 

En este sentido la fotografía, desde ese espacio presente que al instante se vuelve pasado, nos encuentra constantemente con el disfrute y la pérdida, con la lucha y resistencia silenciosa que, a golpe de obturador, intenta cuidar y preservar a través del archivo lo micro y lo macro de la realidad. 

Celebrar nos trae un momento de encuentro, un pasado que se encuentra en el presente y se piensa en el futuro, un lugar permanente de éxtasis que enciende la imaginación y la valida como herramienta de ensoñación, un paréntesis en la rutina que atiende a algo especial, un valioso recordatorio de la experiencia y la alegría de poder vivirla. 

Y un momento de celebración es al que llegamos, tras diez años de muchas experiencias compartidas que se recuerdan con esfuerzo, convicción, alegría y nostalgia pero que piensa en un futuro promisorio. Construyamos nuestra fiesta a partir de los ojos de los autores en donde la fotografía y las imágenes nos reúnan en una suerte de ritual compartido en el que podamos trascender sobre nuestras experiencias y reflexiones. 

Mato Grosso es un trabajo de post memoria que surge tras el encuentro con el archivo fotográfico de mi padre, después de su muerte, y el descubrimiento de su acción misionera en Brasil, antes de que yo naciera. A partir de las discrepancias entre las imágenes y su propio relato se produce un cuestionamiento en torno al recuerdo y los materiales de la memoria. 

Una de las temáticas centrales del proyecto gira en torno a la celebración. Ambos archivos cuentan con un gran número de imágenes dedicadas a los ritos de paso, los funerarios, los cumpleaños y las navidades. Poco a poco el acto de fotografiar y de posar ante la cámara se transforma en la celebración más cotidiana y desapercibida del ritual fotográfico.

Raquel Bravo Iglesias

Es una fotógrafa y profesora afincada en Madrid. En su trabajo se interesa por la memoria como oportunidad de negociación colectiva a través de narrativas personales. Para ello, utiliza el archivo como punto de anclaje problemático desde el que revisar el presente.

Su obra ha sido expuesta tanto nacional como internacionalmente en India, Uruguay, Letonia, Italia, Georgia y Corea del Sur y ha sido publicado en revistas como Balám, Handball, Archivo y Clan Magazine.

STATEMENT ‘PRESENCIO & THE RURAL KIDS’

Los pueblos castellanos, como en el resto del país, se vaciaron con el éxodo rural de la década de los 60. Sus habitantes buscaron oportunidades laborales en las ciudades más cercanas, donde se establecieron y formaron una familia. Muchos pueblos no sobrevivieron a este fenómeno y fueron totalmente abandonados. Pero otros quedaron como lugar de segunda residencia donde veranear o pasar el fin de semana. Lo antiguo y lo moderno, lo rural y lo urbano conviven a través del retorno de estas nuevas generaciones al pueblo.

Presencio es el nombre del pueblo en el que nació mi madre (Burgos, 200 habitantes). En castellano Presencio también es la primera persona del singular del verbo presenciar. Las imágenes resultantes son el registro de mi diálogo (como joven que los habita) con estos espacios. Para mí y mis coetáneos Presencio significa veranos sin ley, amores de verbena, botellones en la tómbola… Es el modo en que los jóvenes, antes de convertirse(nos) en adultos con responsabilidades, interactúan con los espacios rurales heredados. Lo salvaje, lo instintivo, el frenesí, la libertad… Pero sobre todo, significa crecer en comunidad en un lugar parado en el tiempo. Un lugar sin futuro pero que, extrañamente ofrece cierta seguridad (porque siempre ha estado y estará allí).

Virginia Villacisla

Virginia nace en Burgos en 1994. Su temprano interés por la fotografía hace que pida una cámara de regalo por la comunión. Desde ese momento la lleva siempre consigo y retrata escenas cotidianas de su alrededor. Ya de adulta, y buscando darle sentido a su vocación, se traslada a Madrid para estudiar fotografía contemporánea y de autor en EFTI.

Las tensiones generadas en los sentimientos y nociones de identidad y desarraigo propias de la pequeña localidad rural en la que se crió la llevan a desarrollar su proyecto “Presencio & The Rural Kids”, premiado en diferentes certámenes y expuesto en varias ciudades del país. Más tarde compone “Antiálbum Familiar”, también reconocido y expuesto. En ambos proyectos imprime su peculiar visión sobre el entorno que la rodea. El humor distanciado, la ironía y la disfuncionalidad son los pilares sobre los que se sustenta su mirada.

¿Qué tan lejos está un año luz?

La distancia se convirtió en una herida infranqueable que hizo que mi mente se desviara hacia Costa Rica, mi país de origen, y en esa experiencia, comencé a rumiar sobre el pasado. El no tener imágenes de mi propia familia me llevó a proyectar mis recuerdos en otras experiencias de hogar, este proyecto es el resultado de ese proceso.

“¿Qué tan lejos está un año luz?” fusiona la historia colectiva y la memoria individual para imaginar el universo emocional que rodeó mi partida.

Al trabajar con la metodología del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, se intenta construir una constelación de imágenes documentales y ficticias de mi país de origen para trazar conexiones relacionadas con el sentimiento de amor, pertenencia, ausencia y distancia.

Joel Jiménez

Joel Jiménez (n. 1993) es un artista visual que trabaja con fotografía, video, sonido e instalación.

Su trabajo impulsado por la investigación explora temáticas asociadas con la psicología ambiental, la identidad del lugar y la relación entre la historia, la memoria y la narración.

La obra de Joel opera entre el documental  y la ficción; sus proyectos analizan los estados intermedios y los climas emocionales que emergen de las condiciones de estancamiento.

Sus proyectos fotográficos se han mostrado internacionalmente en exposiciones colectivas e individuales en festivales como PhotoEspaña, Les Boutographies, Singapore International Photo Festival y Photo Israel. Ha aparecido extensamente en publicaciones impresas y digitales como el British Journal  of Photography, GUP Magazine, Der Greif  y Revista Balam, entre otros.

(paréntesis)

Intentando sobreponerse de un severo confinamiento y ante la inminente llegada de la que vino a llamarse “nueva normalidad”, el autor decide visitar y revisitar el entorno natural más inmediato que le rodea: su propia provincia.

Perseguido por sus ansias de libertad, pero, a la vez, oprimido por los propios temores albergados en las semanas previas y a la existencia de  restricciones aplicadas en su comunidad, pronto descubrirá que no es la única persona que acude la Naturaleza para festejar la relajación de la normativa.

Jorge Pérez Higuera

Jorge Pérez Higuera es un artista visual nacido en Guadalajara en 1989. Después de estudiar la licenciatura de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid decidió dedicarse a la fotografía como vía de expresión. Como complemento a su formación, estudió el Máster de Fotografía, Arte y Técnica de la Universidad Politécnica de Valencia.

Sus proyectos han sido expuestos de manera individual en diferentes ocasiones, destacando su participación en la feria JustMad 8 como resultado de haber sido elegido el mejor artista de la feria en su edición anterior. Colectivamente, ha participado en la exposición principal del festival Photolux, las Foto proyecciones de Les Reencontres D’Arles, en Aquí y Ahora de la Galería Blanca Soto, en el Festival Internacional Paraty Em Foco y en muestras de Arte joven de Sevilla, La Rioja y Madrid. Sus trabajos han sido objeto de reconocimiento internacional valiéndole premios como el LensCulture Emerging Talent Awards en su edición de 2018, el premio ART<35 BS o Descubrimientos PhotoEspaña. También ha obtenido menciones de honor en los International Photo Awards, en el Premi de Fotografía Fundació Vila Casas y en el Certamen Internacional Obra Abierta Caja de Extremadura.

Fake Comunión

Este es un proyecto documental que combina las fotografías del álbum familiar con la narración audiovisual, construyendo un archivo de imágenes autorrepresentado en la performance orquestada por una madre en 1986 para preservar el recuerdo de uno de los eventos cruciales en la historia familiar: la primera Comunión de su hijo Pascual.

Tras el desafortunado hecho de la pérdida del recuerdo fotográfico del día de la primera Comunión, y a sabiendas del importante significado de la fotografía en la construcción de la memoria familiar, Águeda orquestó una performance para celebrar una “fake comunión”. En ese proceso de reconstrucción de la memoria personal que evocan las imágenes, las fotografías fetiche que surgen de ese acto performántico, y que forman parte de la instalación artística, adquieren una fuerza simbólica y testimonial que se complementa con una entrevista en formato audiovisual, donde ella misma relata y justifica todos los hechos que acontecieron.

Vincent Sáez y Pascual Martínez (+ Agueda)

Pascual + Vincent colaboran como dúo de fotógrafos desde 2013. La condición humana es su ámbito de acción personal y artística, y su trabajo propone una visión poliédrica y transversal en el modo de ver y entender esa relación del ser humano con el espacio que lo circunda.

The Saxons of Transylvania es la segunda parte de una trilogía que empezaron en 2014 en Rumanía con un primer proyecto: The tree of life is eternally green. Ambos trabajos han sido publicados por la editorial inglesa Overlapse, y han recibido multitud de reconocimientos nacionales e internacionales.

Fake Comunión es un trabajo coordinado conjuntamente por los autores Pascual Martínez y Vincent Sáez, donde Águeda Martínez Rojo es colaboradora directa e indirecta, y autora de las fotografías recopiladas por los autores.

Never Neverland

Neverland es una isla ficticia donde sus habitantes, llamados «los niños perdidos», son conocidos por negarse a crecer, vivir sin reglas ni responsabilidades y pasar la mayor parte de su tiempo divirtiéndose o viviendo aventuras. ‘Never Neverland’ es un trabajo que surge de la autoexposición de momentos de intimidad capturados durante la transición vital hacia la edad adulta, en un recorrido que transcurre entre la crisis, la búsqueda y la huida, el amor y la pérdida.

La exploración del umbral entre la juventud y la adultez, inherente a la experiencia humana, se representa aquí como la grieta de la que emergen la vulnerabilidad, los conflictos internos y el anhelo por las experiencias estimulantes. La bienvenida, aunque con tintes de rechazo, a un tránsito vital que se sitúa a caballo entre la inocencia y la toma de conciencia; la celebración y la introspección; la resistencia a la monotonía y las responsabilidades; la búsqueda de libertad y el peso de la construcción social acerca de hacerse adulto. Never

Neverland expone este rito de paso como la representación visual de un límite ficticio, envuelto en una atmósfera dolorosa pero llena de deseos. Atravesar este límite genera miradas de recelo hacia lo que se va y lo que está por venir, pero también varios interrogantes: ¿Qué significa ser joven? ¿Qué te hace ser adulto? ¿Hay realmente algo de lo que despedirse en este proceso?

Vanessa Roca Forné

Vanessa Roca Forné (La Ràpita, 1990) es fotógrafa y educadora residente en Barcelona. Su trabajo gira en torno a un interés por representar la identidad y las transiciones vitales, partiendo de un ejercicio autorreferencial y trabajando en un proceso de representación a caballo entre lo situacional y lo escenificado.

Entre 2020 y 2023, su trabajo ha sido expuesto en diferentes exposiciones en Barcelona, Menorca, Alicante, París y Wroclaw. Su proyecto ‘Never Neverland’ ha ganado cuatro premios en los Visionados de Art Photo Bcn, ha sido finalista en el 16º Fòrum Fotogràfic Can Basté y ha sido seleccionado para Fer Foc II. También, ha participado en charlas y mesas redondas como “La intimidad como sujeto de la obra artística” en el Espai Fotogràfic Català-Roca. En la actualidad, se dedica a coordinar y facilitar procesos artísticos colectivos con la Asociación El Catalejo.